Chris Brearton e Dominic Hughes, figure di riferimento dello studio AGBO, terranno un keynote al Tokyo Market dedicato a un tema che attraversa ormai ogni disciplina narrativa: l’uso di intelligenze artificiali guidate dagli artisti nella costruzione del racconto. L’annuncio, riportato da Variety il 17 settembre 2026, colloca l’intervento nel calendario dei mercati e festival cinematografici di Tokyo, ma il principio che Brearton e Hughes intendono mettere in discussione — chi detiene la regia del senso in una storia — è una domanda che riguarda da vicino anche il teatro, la drammaturgia e ogni forma di narrazione performativa.

Il Tokyo Market si inserisce nel circuito dei mercati e festival cinematografici della capitale giapponese, un contesto in cui produttori, studi e creativi si confrontano sulle direttrici produttive degli anni a venire. In questo scenario, la scelta di dedicare uno spazio istituzionale a un discorso su AI e storytelling non è un’eccezione: segnala che la questione della tecnologia generativa nella narrazione è uscita dalla periferia dei workshop tecnici ed è entrata nel cuore delle decisioni creative e industriali. Brearton e Hughes, provenienti da uno studio che ha lavorato su produzioni di grande scala come le pellicole legate a Avengers, portano in quel contesto un’esperienza che spazia dall’animazione alla post-produzione, e la loro prospettiva su cosa significhi «AI guidata dagli artisti» arriva da dentro il processo, non da fuori.

Il principio dell’artista al comando

La formulazione «artist-led AI in storytelling», come la definisce la scheda dell’evento, non è un dettaglio lessicale: è una dichiarazione di posizionamento. In un momento in cui gli strumenti di generazione testuale e visiva vengono spesso presentati come sostituti del processo creativo, l’aggettivo «guidata» ribalta la gerarchia. L’artista non è l’utente di un sistema, ma il soggetto che ne orienta la traiettoria; la macchina non genera una storia, ma esegue una volontà narrativa preesistente. Questa distinzione, apparentemente sottile, ha conseguenze pratiche enormi: cambia il modo in cui si concepisce la drammaturgia, il peso dell’intenzione autoriale, la responsabilità etica del racconto. Non è una questione tecnica di prompt engineering, ma una questione di ontologia creativa: chi è l’autore di una storia e cosa lo rende tale.

Dalla sceneggiatura al palcoscenico: la grammatica comune del racconto

Per chi lavora in teatro, la domanda non è astratta. La drammaturgia teatrale ha sempre operato nel confine tra struttura e improvvisazione, tra testo e corpo, tra la parola scritta e la sua incarnazione scenica. L’ingresso di strumenti AI nella fase di ideazione — dalla ricerca di archetipi alla simulazione di dialoghi, dalla costruzione di archi narrativi alla esplorazione di varianti — pone allo stesso modo la questione: l’artista resta il soggetto della narrazione o diventa un curatore di output? Il keynote di Brearton e Hughes, pur radicato nel linguaggio del mercato cinematografico, tocca un nervo che è trasversale a tutte le arti narrative. Il principio «l’AI al servizio dell’intenzione, non il contrario» è identico in una sala di regia hollywoodiana e in un laboratorio drammaturgico di un teatro contemporaneo europeo.

La rilevanza culturale di questo intervento risiede nella sua collocazione: non è un paper accademico, non è un post di settore, ma un keynote in un mercato industriale di Tokyo, dove le decisioni su budget, formati e pipeline produttive vengono prese in tempo reale. Quando uno studio di animazione e VFX di questa portata sceglie di dedicare uno slot pubblico alla filosofia dell’uso dell’AI nella narrazione — anziché presentarla come feature tecnica — sta affermando che la questione creativa precede quella tecnologica. È un posizionamento che, se accolto dal circuito, può influenzare il modo in cui le prossime generazioni di narratori, da Hollywood a un palcoscenico di Avignone, concepiranno il proprio rapporto con gli strumenti digitali.

Perché un keynote su un mercato cinematografico riguarda anche chi fa teatro

Il legame non è forzato. La narrazione, quale che sia il medium — la pagina, lo schermo, il palcoscenico — si fonda sulla stessa struttura profonda: un soggetto che sceglie, ordina, dà senso a una sequenza di eventi. Quando AGBO, attraverso Brearton e Hughes, porta al Tokyo Market l’idea che l’AI debba essere guidata dall’artista e non il contrario, sta offrendo un modello di rapporto uomo-macchina che è immediatamente trasferibile alla pratica drammaturgica. In un teatro dove un assistente alla regia usa strumenti generativi per esplorare varianti di un monologo, o dove un autore impiega un modello linguistico per testare la coerenza interna di un arco, il principio è lo stesso: l’intenzione narrativa resta umana, la tecnologia è mezzo, non fine.

La scelta di affrontare il tema in un contesto di mercato, anziché in un festival di critica o in una pubblicazione specialistica, aggiunge un ulteriore strato di significazione. Significa che la questione dell’autorialità nell’era dell’AI non è più solo filosofica o etica: è industriale. È una domanda che riguarda i contratti, la proprietà intellettuale, la catena del valore creativo, la formazione dei nuovi narratori. Brearton e Hughes, con il loro keynote al Tokyo Market, inseriscono questa riflessione nel luogo dove le decisioni si prendono e i budget si allocano. E in questo senso, il loro intervento è un atto che trascende il cinema e parla a chiunque, in qualsiasi disciplina, costruisca storie per altri.